Saison 2022/2023

Saison 2022 / 2023

Tous les concerts de la saison 2022 /2023 des Ondes plurielles

Concert St-Saëns avec Stéphanie-Marie Degand

Magie & Féérie

Octobre 2022

L’apprenti sorcier (P. DUKAS)

Symphonie Fantastique (H. BERLIOZ)

Sous la direction d’Aurélien Azan-Zielinski

Samedi 8 octobre 20H30

Dimanche 9 octobre 16H

Eglise St Marcel
82, boulevard de l'hôpital, 75013 Paris


Les grands airs d'opéra

Décembre 2022

MOZART, BIZET, PUCCINI, VERDI

Avec les étudiants et étudiantes de l’Académie de la voix de Sartène et les solistes lyriques

Sous la direction de Romain Dumas

Ondes plurielles Walkyrie

Samedi 3 décembre 20H30

Dimanche 4 décembre 16H

Eglise St Marcel
82, boulevard de l'hôpital, 75013 Paris


Aimez-vous Brahms ?

Janvier 2023

Double concerto pour violon et violoncelle (J. BRAHMS)

Symphonie n°4 (J. BRAHMS)

Direction et violon solo Pierre Fouchenneret

Pierre Fouchenneret François Pinel Ondes plurielles

Samedi 28 janvier 20H30

Dimanche 29 janvier 16H

Eglise St Marcel
82, boulevard de l'hôpital, 75013 Paris


Résurrection

Mars/Avril 2023

Symphonie n°2 (G. MAHLER)

Sous la direction de Julien Leroy

Dates et lieux à confirmer

Samedi 25 mars & Dimanche 26 mars

OU 

Samedi 1er avril & Dimanche 2 avril


Psyché

Avril 2023

Psyché (C. FRANCK)

Sous la direction de Marc-Olivier de Nattes

Samedi 15 avril 20H30

Dimanche 16 avril 16H

Eglise St Marcel
82, boulevard de l'hôpital, 75013 Paris


Vous avez dit classique ?

Juin 2023

Programme en cours d’élaboration

Partition Mozart Violon

Samedi 10 juin 20H30

Dimanche 11 juin 16H

Lieu à confirmer


Festival "l'Aria di a Sarra"

Juillet 2023

Résidence des Ondes plurielles en Corse du Sud

En collaboration avec le Centre d’Art Polyphonique, Mission Voix de Corse, de Sartène et la commune de Serra-di-Ferro

Serra-di-Ferro

Juillet 2023

Serra-di-Ferro (Corse du Sud)


Ondes plurielles Danses Aurélien Azan

Sortilèges & Magie

Sortilèges & Magie

Paul Dukas – L’Apprenti sorcier
Hector BerliozSymphonie fantastique

Sous la direction d’Aurélien Azan Zielinski

Entrée libre
Réservation en ligne conseillée

Samedi 8 octobre à 20h30
Dimanche 9 octobre à 16h

Lieux des concerts

Église Saint-Marcel

82 boulevard de l’Hôpital
75013 PARIS


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Éric Crambes

Entretien avec Eric Crambes

Entretien avec Éric Crambes

Directeur artistique du festival de musique des Arcs

Éric Crambes

Après une première participation en 2020 sous le signe de Beethoven, les Ondes plurielles ont le plaisir de revenir sur la scène du festival de musique des Arcs.
Entretien avec son directeur artistique, le violoniste Éric Crambes.

Que promet cette 49ème édition de l’Académie-festival des Arcs ?

C’est une renaissance et un retour à notre ADN, qui est d’être à la fois un festival auquel participe une soixantaine d’artistes de renommée mondiale, et une académie. Pour la première fois depuis la crise sanitaire, nous renouons avec notre tradition d’accueil de quelque 150 à 200 stagiaires venus du monde entier. Nous nous réjouissons d’offrir à nouveau des concerts (tous gratuits) à des publics différents, festivaliers mélomanes ou randonneurs de passage.
Cette édition met à l’honneur les musiques romantiques françaises, avec plus de 25 compositeurs et compositrices, qu’ils soient très connus comme Bizet, Franck, Berlioz, Saint-Saëns, ou beaucoup moins, comme Franchomme ou Godard. Le romantisme fait souvent penser à Schubert, Schumann, Mendelssohn et Brahms. Mais la musique française n’a pas à pâlir !
Soucieux de soutenir la création contemporaine, nous accueillons en résidence le compositeur Alexandre Gasparov, pianiste russe installé en France depuis 30 ans, dont on présentera une dizaine d’œuvres, ainsi qu’une création, commandée par le festival.

Pourquoi avoir choisi les Ondes plurielles pour votre concert d’ouverture ?

Un orchestre amateur, c’est avant tout des gens qui aiment la musique. Comme aux Arcs nous aimons passionnément la musique, il y a une vraie cohérence et belle synergie à inviter les Ondes plurielles (dont la présidente, Alice Courchay, a par ailleurs beaucoup travaillé avec le festival, dans le passé). Sous la baguette de Raphaël Oleg, le programme du concert d’ouverture « donne le la » de cette édition : des extraits de Carmen, de George Bizet, et la 2ème symphonie de Charles Gounod, car nous voulons ce concert, populaire, et les Variations symphoniques pour piano de César Franck, qui sont l’occasion de célébrer les 200 ans de sa naissance et d’entendre l’une de nos 18 jeunes talents, la pianiste Célia Oneto Bensaid.


Johannes Le Pennec

Entretien avec Johannes Le Pennec

Entretien avec Johannes Le Pennec

Chef d'orchestre et violoncelliste aux Ondes plurielles

Johannes Le Pennec

Les Ondes plurielles ont eu le plaisir de retrouver Johannes Le Pennec à qui elles ont donné carte blanche pour la session « L’œuvre ultime » consacrée à Wagner et Bruckner.

Pourquoi avoir choisi la 9ème symphonie d’Anton Bruckner et le Prélude de Lohengrin de Richard Wagner ?

J’avais d’abord pensé à la cinquième symphonie, de peur que l’effectif de musiciens de la neuvième ne soit trop ambitieux, notamment le pupitre de 8 cors, dont 4 jouent des wagner tuben (mini tubas joués par les cornistes) et l’ensemble des vents ; le tout suppose d’avoir beaucoup de cordes pour retrouver un équilibre naturel. Mais plusieurs musiciens des Ondes souhaitaient jouer la dernière œuvre de Bruckner, ce à quoi j’ai consenti sans problème, cette symphonie étant un Graal !
Comme souvent chez les grands symphonistes, l’œuvre ultime est un sommet : cette musique qui exprime tant de choses sur la vie, la mort, revêt une dimension philosophique voire théologique, tout en suscitant des émotions de façon très directe. On ressort de son écoute transformé.
Quant au choix de Wagner, il s’explique par la volonté de rester dans l’époque post-romantique et de trouver une lumière contrastant avec celle de Bruckner. Ce prélude de Lohengrin nous met dans un état de sérénité idéal pour aborder la 9ème symphonie qui commence dans une certaine austérité religieuse quasi médiévale. Sans compter que les tonalités s’enchaînent très bien.

Quels sont les défis que pose la 9è symphonie ?

Les musiciens doivent comprendre la place qu’ils ont dans la partition. Héritier de Bach, Bruckner dissémine dans son œuvre plusieurs éléments thématiques, qu’il distribue aux différents pupitres. Chaque instrumentiste à qui un motif échoit doit en avoir conscience, ce qui n’est pas évident au niveau individuel, alors que la partition dans sa totalité est un puzzle parfait.
En outre, cette musique requiert une patience liée à l’endurance : ce qu’elle exprime ne trouve son sens que sur du temps long. Sinon, c’est comme si l’on regardait un immense tableau, le nez à 20 centimètres de la toile.
La responsabilité du chef est donc de donner cette vue globale tout en ayant le sens du détail, d’apporter cette dualité entre clarté et grand geste musical.
La densité de cette partition fait que je me suis donné le double de temps par rapport à d’habitude pour la travailler, comme si je la découvrais alors que c’est une pièce que je connais auditivement par cœur.

Comment faire apprécier ce langage à un public peu familier de Bruckner ?

On pourrait comparer Bruckner au cinéaste Stanley Kubrick : comme 2001, l’Odyssée de l’espace, sa musique propose au préalable de très belles images… mais qui nous plongent dans un abîme de réflexion. Donc si on aime Kubrick, je pense qu’on aime Bruckner. Et si on n’aime pas Kubrick, la symphonie est moins longue que le film ! Et la musique, qui nous interroge au début, offre beaucoup de réponses chemin faisant tandis que le film va vers une abstraction grandissante.

Elle reste pourtant inachevée…

Oui, Bruckner est mort sans avoir orchestré le final de cette neuvième symphonie (dédiée à Dieu), dont il voulait que la conclusion soit la coda des codas, la synthèse de toutes ses symphonies. Ses disciples auraient dispersé les dernières pages après son décès. Bien que certaines versions enregistrées proposent des reconstitutions à partir de l’exposition qu’on a retrouvée, on ne saura jamais ce à quoi cette symphonie devait ressembler jusqu’au bout. Mais finir sur la luminosité du 3è mouvement la rend peut-être plus humaine.

Quel est ton lien aux Ondes ?

Un lien affectueux, puisque c’est le seul orchestre dans lequel je joue encore parfois en tant que violoncelliste et que j’ai dirigé. Les Ondes m’ont fait confiance une première fois en 2019 pour Siegfried-Idyll de Wagner et la 4ème symphonie de Schumann, et c’est un plaisir de retrouver un orchestre de très bon niveau qui entretient une vraie flamme pour la musique.

Quels sont tes prochains projets ?

Je dirigerai l’Orchestre national de Bretagne (ONB) pour accompagner Alan Stivell à Rennes le 7 avril, puis à Paris salle Pleyel le 8 avril, avant d’enregistrer, toujours avec l’ONB, la musique de film écrite par Pascal Le Pennec pour le prochain long-métrage d’animation de Michel Ocelot, réalisateur de Kirikou.


Pierre Fouchenneret François Pinel Ondes plurielles

Festival Fièvres Musicales

Festival des Fièvres Musicales

Festival Fièvres Musicales

Robert Schumann – Concerto pour violon
Johannes Brahms – Symphonie n°2

Pierre FOUCHENNERET, violon
François PINEL, direction

Programme détaillé

Ondes plurielles a l’honneur de participer au concert d’ouverture du nouveau festival « Fièvres musicales » organisé par l’AP-HP au sein de l’hôpital de la Pitié-Salpêtrière.

Réservez en ligne

Lundi 20 juin à 21h

Lieu du concert

Chapelle Saint-Louis de la Pitié-Salpêtrière
47 boulevard de l’Hôpital
75013 Paris


L’œuvre ultime - Programme du concert Wagner Bruckner

L'œuvre ultime - Programme du concert

Richard Wagner – Lohengrin, prélude (créé en 1850)

Richard Wagner révolutionnaire ! Malgré l’énigmatique douceur de ses premières notes, l’opéra Lohengrin est marqué du sceau de cette ambition de renouvellement radical qui anime le travail et la pensée du compositeur. La dimension est politique d’abord : écrite entre 1846 et 1848, l’œuvre se ressent de l’agitation de l’époque, qui s’exprime lors du fameux « Printemps des peuples » de 1848 marqué par une série de révoltes en Europe. Wagner se sent proche de ce désir de changement, et ne peut s’empêcher de l’exprimer dans le livret de son opéra, qui appelle à l’arrivée d’un roi de toute l’Allemagne, pieux et juste. Le pouvoir à Dresde est peu ouvert à ce genre d’idées, et refuse la mise en scène de l’opéra ; Wagner doit fuir en Suisse en 1849, et c’est finalement à Weimar que Lohengrin sera créé, sous la direction du grand compositeur Franz Liszt, grand soutien et futur beau-père de Wagner. Parmi les spectateurs, le jeune Louis II de Bavière sera fortement impressionné, au point de devenir ensuite le mécène de Wagner, et même de faire construire un château de contes de fées, le fameux « Neuschwanstein » (nouveau rocher du cygne), pensé comme un « temple » à l’amitié de Richard Wagner et intégrant dans son architecture des références directes à cet opéra.

Aujourd’hui il faut un certain effort pour sentir, à la simple audition du Prélude, l’énergie rebelle qui présidait à sa composition. Pourtant, la musique en est l’écho, tout autant que le livret. Le choix même du terme « prélude », qui remplace l’« ouverture » canonique depuis les débuts du genre de l’opéra en 1600, montre la volonté d’écrire autrement. Alors que l’ouverture présente les thèmes principaux et l’action de l’opéra, le prélude, destiné normalement à l’introduction de musiques instrumentales, crée une ambiance à partir de moyens purement musicaux : la position de tonalités, de timbres sont alors des indices de ce que l’auditeur découvrira dans l’opéra. Le seul thème joué dans ce prélude n’est pas celui d’une action ou d’un personnage, mais le thème mystique du Graal qui joue tant de rôle dans le mystère de Lohengrin, ce jeune chevalier changé en cygne pour sauver Elsa, et qui retournera au fleuve lorsqu’elle le forcera, contre leur serment, à dévoiler son nom. Ce prélude est donc d’abord la position d’une atmosphère, tout sauf guerrière ou dramatique. Il débute doucement dans l’extrême aigu des violons, tellement divisés qu’on se perd dans l’imbrication de leurs notes souvent jouées en harmoniques, ce qui en renforce le caractère éthéré. Manifestant la transcendance, la musique va progressivement descendre sur terre en touchant les sons graves et de plus en plus puissants, avant de retrouver le mystère de ses débuts. À l’écoute du prélude, on ne peut donc pas anticiper les futures actions de l’opéra, mais on est placé dans un mysticisme qui restera au cœur de la pensée wagnérienne, puisque sa dernière œuvre, Parsifal, présentera le père de Lohengrin, et sera plus directement encore dirigée vers la présentation du mystère chrétien. Entre les mythes et les contes de fées, Wagner construit donc sa voie, qui derrière ses prises de positions souvent violentes (on songe à son antisémitisme), cherche à produire musicalement une révélation de la révolution spirituelle et politique qu’il appelle de ses vœux. Plus encore que ses grands opéras précédents, Le Vaisseau fantôme et Tannhaüser, Lohengrin, et en particulier ce prélude pourtant tout sauf grandiloquent, est le véritable point de départ de la révolution musicale wagnérienne que les œuvres suivantes (la Tétralogie et Tristan) mettront définitivement en place.

O. Moulin

Anton Bruckner – Symphonie n°9 (1892-1896)

Lorsqu’Anton Bruckner meurt d’une pleurésie, en 1896, dans un petit appartement des communs du palais du Belvédère de Vienne, mis à sa disposition par l’empereur François-Joseph, en signe d’une reconnaissance tardive qui lui avait été longtemps refusée, il laisse à sa table de travail le manuscrit inachevé du final de sa Neuvième Symphonie, à laquelle il travaille avec obsession depuis plusieurs années. L’histoire raconte que les scellés n’ayant pas été immédiatement placés sur la porte de l’appartement, des élèves auraient emporté certains feuillets du manuscrit, en souvenir de leur maître. Ainsi naît l’un des plus grands mystères du répertoire symphonique…

Si Bruckner a tardé à connaître le succès en tant que compositeur (alors qu’il est un professeur reconnu, qui forme entre autres Gustav Mahler, ses œuvres symphoniques sont critiquées avec rudesse et Brahms, son grand rival, le qualifie de “pauvre nigaud”), celui-ci intervient brusquement en 1884, avec sa Septième Symphonie, dont l’adagio est un hommage à Wagner, mort l’année précédente. Il a alors déjà soixante ans. La Huitième, plus monumentale encore, est écrite rapidement, mais elle est rejetée par Hermann Levi, le grand chef d’orchestre wagnérien à qui le compositeur avait fait parvenir le manuscrit. Bruckner traverse alors une période de profonde dépression qui, conjuguée à son perfectionnisme, le pousse à réviser le texte de la Huitième, mais aussi celui de ses Première et Troisième symphonies, laissant sa Neuvième à l’état d’esquisses. Il faut finalement attendre plus de trois ans pour que, la Huitième enfin créée par Hans Richter, Bruckner s’attelle à son ultime symphonie, qu’il offre à “Dieu, s’il veut bien l’accepter”. Il a près de 70 ans, et sa santé est précaire : il semble avoir été rapidement conscient qu’elle serait la dernière, et il entend qu’elle résume toute son œuvre antérieure.

En octobre 1892, le gigantesque et complexe premier mouvement (“Solennel, mystérieux”), de près d’une demi-heure, est achevé. Bruckner s’y éloigne radicalement de la structure symphonique traditionnelle, y multiplie les idées et les formules thématiques, des tonalités et caractères contrastés s’y côtoient et parfois s’y bousculent, en un flux continu jusqu’à la coda, majestueuse. Après ce monument symphonique, en lieu et place de l’ordinaire mouvement lent, Bruckner insère un scherzo âpre et grinçant, d’autant plus court que le premier mouvement est long. Le seul court moment de répit semble inspiré d’un Ländler traditionnel, et prend volontiers des atours de danse macabre, tandis que le trio, ordinairement plus détendu, se fait ici plus acerbe. Enfin, seulement, arrive l’Adagio, qui ne devait pas être conclusif. Cette longue et sinueuse montée en puissance, d’une grande complexité formelle, recombine et renverse à l’envi de multiples fragments thématiques, culmine dans un accord de neuf sons profondément dissonant, et s’épuise en un silence venu des confins de l’univers.

Après avoir poussé ainsi jusqu’à l’épuisement les logiques tonales et formelles, conclure semblait pour Bruckner tenir de l’insurmontable : en effet, bien qu’il lui reste encore deux ans à vivre lorsqu’il en commence l’écriture, il ne parvient à en venir à bout. Le final inachevé, tel qu’il nous est parvenu, se compose de trois parties : si l’introduction est complète et orchestrée, la partie centrale est plus lacunaire et incomplète, et la coda, qui devait synthétiser l’ensemble de son œuvre, ne fut jamais écrite. Sentant qu’il ne parviendrait pas terminer son œuvre, Bruckner aurait même suggéré de jouer son Te Deum pour clore la symphonie. Si de multiples tentatives de reconstitution de ce final existent, souvent peu convaincantes, elles ont pour principal – et paradoxal – intérêt de souligner le vide créé par l’absence de cet ultime mouvement. Quant au langage tonal, ce sont les successeurs viennois de Bruckner qui se chargeront de lui porter le coup de grâce, quelques années plus tard.

Nous avons pour notre part souhaité nous en tenir au texte achevé par Bruckner, sans spéculer sur ce qui aurait pu être. Cet adagio devenu final accidentel, laisse ainsi place au plus insondable des mystères, celui de l’après, dans un silence saisissant que nous vous invitons à laisser s’épanouir autant que vous le souhaiterez avant, nous l’espérons, d’applaudir l’œuvre ultime…

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F. Layani


Johannes Le Pennec, direction

Orangerie de Sceaux 2019

Violoncelliste de formation (Diplôme Supérieur de Concertiste à l’Ecole Normale de Musique de Paris), Johannes Le Pennec mène pendant plus de quinze ans une carrière de chambriste (DuoCelli, trio, quintette…) et de musicien d’orchestre (Orchestre National des Pays de la Loire, Orchestre Colonne, Orchestre Régional de Chambre d’Ile de France…), donnant de nombreux concerts tant en France qu’à l’étranger.

Il choisit ensuite de réaliser sa vocation première : la direction d’orchestre. Formé notamment auprès d’Adrian McDonnell et de Julien Leroy, son parcours l’a amené à diriger des formations telles que l’Orchestre National de Bretagne, l’Orchestre Régional de Normandie le Scoring Orchestra, l’Orchestre National de Metz, les Ondes plurielles, les Clés d’Euphonia, l’orchestre Note et Bien, l’Orchestre d’Harmonie de Levallois ou l’Orchestre Victor Hugo-Franche Comté et à collaborer avec les Chœurs de Radio-France.

Il est nommé chef associé de l’Orchestre Symphonique Maurice Ravel , avec lequel il dirige régulièrement des concerts symphoniques et l’amène à collaborer sur différentes productions d’opéra (Carmen, la Bohème, Pagliacci…). Il est également directeur musical de l’Orchestre Symphonique Paris-Saclay, à la tête duquel il dirige un large répertoire et accompagne des solistes tels que Marc Coppey, Hervé Joulain ou Jonathan Fournel.

Dans le domaine de la musique contemporaine, il participe notamment au concert d’ouverture du Festival Présences dédié Thierry Escaich, à la création de la nouvelle version de l’opéra « le Premier cercle » de Gilbert Amy à l’Opéra de Massy et il dirige la création de l’opéra-conte « Nadir » de Matthieu Stefanelli.

Dans l’univers du cinéma, en collaboration avec le compositeur Pascal Le Pennec, il enregistre notamment les bandes originales du long-métrage d’animation de Jean-François Laguionie Le Tableau. Du même réalisateur, et avec l’Orchestre National de Bretagne, il enregistre également « Louise en Hiver » et « Slocum ». Enfin, à la tête du Scoring Orchestra, il enregistre la bande originale de « Bayala ». En Avril 2022, il enregistrera la BO de « Trois Contes », prochain long-métrage d’animation de Michel Ocelot (réalisateur de « Kirikou »).

Passionné de pédagogie, considérant la transmission comme un maillon essentiel de notre société, Johannes Le Pennec est titulaire du Diplôme d’Etat et du Certificat d’Aptitude de professeur de violoncelle. Il enseigne au CRI de Palaiseau (91).


Festival des Arcs 2022

Triple Concerto de Beethoven aux Arcs (2020)

Festival des Arcs 2022

Les musiques romantiques françaises

Georges Bizet – Ouverture de la suite de Carmen
Georges Bizet – Airs de Carmen
César Franck – Variations symphoniques pour piano et orchestre
Charles Gounod – Symphonie n°2

Ruth Rosique, soprano
Lucio Prete, baryton
Célia Oneto Bensaid, piano

Raphaël Oleg, direction

Dimanche 17 juillet 2022, 21h

Centre Bernard Taillefer
Arc 1800


Choeur CHAM à Versailles

Gloria de Vivaldi et création chorégraphique à Versailles

Gloria Vivaldi Versailles

Gloria

Piazzolla, Ravel, Beethoven, Halvorsen Œuvres de musique de chambre et création chorégraphique
Antonio Vivaldi – Gloria

Mehdi Baki, danse
Chœur des classes à Horaires Aménagés Musique du Collège J-P Rameau de Versailles
Christophe Junivart, direction
Musiciens des Ondes plurielles

 

Ondes plurielles accompagne les choristes des Classes à Horaires Aménagés de Versailles et le Chœur de Chambre de Versailles dans le Gloria de Vivaldi.
En première partie, assistez à une rencontre inédite entre musique et danse, avec Mehdi Baki en danseur-performeur

Billetterie en ligne 

Mardi 17 mai à 20h30

Lieux des concerts

Académie Équestre
Manège de la Grande Ecurie du Château de Versailles
Avenue Rockefeller
78000 Versailles


Programme du concert Viva la Banda !

Programme du concert

Concerto pour violon en ré mineur
Robert SCHUMANN (1810-1856)

1853 : quelle belle année pour Robert Schumann ! Deux magnifiques rencontres enrichissent son univers affectif et musical. En mai, il écoute le jeune violoniste Joseph Joachim, 22 ans, jouer brillamment le concerto de Beethoven. Il décide immédiatement de lui écrire un concerto, ce qu’il fera en très peu de temps, du 21 septembre au 1er octobre. C’est au milieu de cette intense activité créatrice qu’une deuxième rencontre se produit : le 30 septembre, l’encore plus jeune Johannes Brahms, 20 ans, vient lui jouer quelques-unes de ses compositions, et Schumann découvrira en lui son héritier.

Qui peut alors penser, malgré les fragilités du compositeur, qu’en cette fin d’année il écrira ses dernières œuvres avant sa crise de 1854, suivie de son internement dans un asile dont il ne sortira pas avant sa mort deux ans plus tard ? On serait tenté de voir dans ce concerto et les quelques autres compositions qui l’entourent une manière de testament ; ce serait tout à fait illusoire. Schumann n’y arrête pas son évolution musicale dans un geste dramatique annonciateur de sa folie future. Il en poursuit au contraire la logique : plus de sobriété thématique, un développement plus harmonique que mélodique, un refus de l’expression extravertie des sentiments qui avait pourtant fait sa gloire dans sa jeunesse. Un tel processus est toutefois assez contraire au principe du concerto pour violon, censé mettre en valeur le soliste. Joachim, son dédicataire, ne le jouera jamais, le trouvant trop difficile et pas assez brillant, notamment son final. C’est en 1933 seulement qu’il sera créé, sous une forme arrangée.

Les trois mouvements de ce concerto ont la particularité d’être tous sous une indication de tempo lente : « pas le plus rapide » pour le premier, « lent » pour le deuxième, « vivant mais pas rapide » pour le dernier. Schumann veut que le violon prenne son temps pour exposer et réexposer ses thèmes, dans une tessiture plutôt grave. Rien d’ostensible, de m’as-tu-vu : l’œuvre est un secret qui ne dévoile son émotion intime qu’à ceux qui savent la chercher.

O. Moulin

Symphonie n°2
Johannes BRAHMS (1833-1897)

Johannes Brahms s’attelle à l’écriture de sa deuxième symphonie au cours de l’été 1877, lors d’un séjour de villégiature à Pörtschach am Wörthersee, dans les Alpes autrichiennes, près de la frontière slovène. Il a alors 44 ans, et sa première symphonie, péniblement et longuement mûrie durant plus de vingt ans à l’ombre tutélaire et encombrante de Beethoven, vient de connaître un franc succès. Libéré semble-t-il du poids de ce “géant marchant derrière lui”, ainsi qu’il l’écrit à un ami, il aborde l’écriture de cette deuxième symphonie avec beaucoup plus d’aisance. Elle est achevée en quelques mois et créée le 30 décembre 1877 à Vienne, sous la direction de Hans Richter.

Au premier abord, cette deuxième symphonie s’éloigne radicalement des noirceurs et du tragique de la première. Sa tonalité de ré majeur l’attire naturellement vers la lumière tandis que sa structure très classique (un long premier mouvement au caractère affirmé, un deuxième mouvement lent et profondément romantique, un scherzo court et léger, avant un final brillant) et sa cohérence stylistique et thématique l’ancrent solidement dans le grand répertoire symphonique. La douceur paisible des thèmes et leur apparente simplicité – on croit d’ailleurs entendre au violoncelle, dans le premier mouvement, le thème de la célèbre berceuse de Brahms ayant accompagné nos nuits enfantines – ont parfois mené les commentateurs à la comparer à la Symphonie Pastorale de Beethoven. Ce que confirme le scherzo, tout en subtile légèreté, évoquant une chanson populaire.

Cependant, avec Brahms, rien n’est jamais simple, et derrière la sérénité de façade d’un compositeur dans la force de l’âge se cache un tempérament plus sombre. Dans sa correspondance, il décrit cette symphonie avec une ironie parfois acerbe, où affleurent ses doutes et sa profonde mélancolie. Il qualifie ainsi sa nouvelle œuvre de “simple sinfonietta”, la résumant à un unique “accord de fa mineur répété un bon moment, en alternant les graves et les aigus, fortissimo et pianissimo”. À son éditeur, il prédit d’ailleurs qu’elle sera “à coup sûr un véritable flop”, et l’avertit en ces termes : “la nouvelle symphonie est si mélancolique que vous ne la supporterez pas. Je n’ai jamais rien écrit d’aussi triste, d’aussi mineur : vous devrez publier la partition bordée de noir. Je vous aurai assez prévenu. Voulez-vous réellement publier une chose pareille ?” Et, de fait, la noirceur n’est jamais loin : cuivres et timbales font planer une ombre menaçante sur le premier mouvement, et Brahms ne renonce jamais à une dissonance grinçante lorsque le climat semble se faire trop serein.

Toute brahmsienne dans ce clair-obscur si romantique, animée d’une pulsation permanente qui conduit le propos même dans les tempi les plus lents, cette deuxième symphonie s’est rapidement imposée comme une pierre angulaire du répertoire symphonique. Au sein de ce programme, elle propose un pendant plus apaisé aux tourments de Schumann, dont Brahms était d’ailleurs l’ami proche.

F. Layani


Pierre FOUCHENNERET

Pierre Fouchenneret

Artiste insatiable, fort d’une discographie de plus d’une vingtaine de disques, il dédie plusieurs années de sa vie à l’œuvre d’un compositeur, s’entoure des plus beaux chambristes pour, le plus souvent, en graver une intégrale. En 2016, il enregistre chez Aparte l’intégrale des sonates pour violon et piano de Beethoven avec Romain Descharmes. En 2018 paraît le premier volume d’une intégrale de la musique de chambre de Gabriel Fauré avec Simon Zaoui et Raphaël Merlin.
Il se lance également avec le quatuor Strada, E. Lesage, F. Pujuila, A. Boisseau… dans le projet insensé de jouer toute la musique de chambre de Brahms.
L’intégrale parait chez B-Records au cours des saisons 2018 à 2021. Au printemps 2020 paraît son enregistrement des octuors de Schubert et de R. Merlin aux côtés notamment de N. Baldeyrou, D. Guerrier ou encore M. Desmons.

Enfant prodige, Pierre Fouchenneret obtient à 16 ans son premier prix de violon et de musique de chambre au CNSM de Paris dans les classes d’Olivier Charlier et de Daria Hovora, et remporte ensuite le Grand Prix du Concours International de musique de chambre de Bordeaux, le Grand Prix Georges Enesco de la Sacem, et devient lauréat de la fondation Natixis et artiste associé de la Fondation Singer Polignac.
Invité sur les scènes du monde entier, l’« archer hors norme » (Le Figaro) qu’est Pierre Fouchenneret est rapidement amené à jouer avec des musiciens d’exception tels que le Fine Art Quartet, Jean-François Heisser, Jean-Frédéric Neuburger, Zongh Xu, Julien Leroy, Nicolas Angelich… et fonde en 2013 le Quatuor Strada avec Sarah Nemtanu, Lise Berthaud et François Salque.

Artiste complet, Pierre Fouchenneret est reconnu par les orchestres français et internationaux pour son audace et sa vision du répertoire. Il a notamment été invité par l’Orchestre de la Suisse Romande, le Suzhou Symphony Orchestra, l’Orchestre National de Bordeaux, le Philarmonique de Brno, les Philharmoniques de Nice et de Strasbourg, le Baltic de Saint Petersbourg ou l’Orchestre de Chambre Nouvelle-Aquitaine.

François Pinel

François Pinel

Musicien, pianiste et chef d’orchestre, François Pinel multiplie les expériences artistiques au gré des hasards et des rencontres. Il coopère avec l’artiste Lee Mingwee au Centre Pompidou ou avec le compositeur Alexandre Desplat pour des longs métrages de Roman Polanski et Jacques Audiard, joue Berg et Schönberg en Chine, Debussy et Ravel à Alger, Enesco et Beethoven au Mexique ou Mozart et Brahms à Lisbonne, donne des Masterclasses dans les universités brésiliennes et turkmènes, participe aux festivals de Cambridge, d’Aix-en-Provence et de Recife, se produit aux Théâtre des Bouffes du Nord, à la Philharmonie de Paris et collabore avec le Chamber Orchestra of Europe, l’Orchestre de Bretagne ou l’Ensemble Matheus.

Formé notamment par Pierre Froment, éminent disciple d’Alfred Cortot, puis par Alain Planès au CNSM de Paris, il étudie la direction d’orchestre avec le chef allemand Robin Engelen au Conservatoire Royal de Bruxelles.


Jean-Daniel, trompettiste et corniste

Entretien avec Jean-Daniel, trompettiste et corniste

Rencontre avec Jean Daniel

Trompettiste et corniste aux Ondes plurielles

Jean-Daniel, trompettiste et corniste

Quelle est ton histoire musicale ?
J’ai été très tôt confronté à la pratique d’instruments variés, puisqu’avant de faire de la trompette (à 8 ans), j’ai suivi des cours de percussions (à partir de 6 ans). Je ne me souviens pas bien de ce qui m’a poussé à choisir ces deux disciplines… En tout cas, si j’ai arrêté les percussions assez vite, la trompette m’a tout de suite adopté. Ma rencontre avec le cor d’harmonie a été plus tardive, vers 30 ans. Il faut dire que dans ces années-là, la plupart de mes orchestres proposaient sans cesse des symphonies de Brahms ou de Beethoven. Et voir les cornistes s’éclater quand nous, les trompettistes, devions compter les mesures pour planter 3 clous, a généré une certaine jalousie ! Lorsqu’une occasion s’est présentée, hasard complet, je me suis lancé. Il faut dire également que l’exemple de David Guerrier m’a sans doute inspiré dans cette affaire (et la comparaison s’arrête là !)

De quoi joues-tu ?
Si j’ai le choix entre un poste de trompettiste ou de corniste, ma préférence se fera en fonction de l’œuvre, et souvent, du compositeur. Pour des symphonies de Mahler, direction la trompette ! Pour du Brahms ou Schumann, y’a pas photo, ce sera la main droite au chaud (le cor d’harmonie se joue avec la main droite dans le pavillon, ndlr). Enfin, j’adore rejouer un morceau que je connais déjà, avec le second instrument. Cela permet de redécouvrir les œuvres, avec un nouveau point de vue.

Et à l’avenir ?
Oh l’avenir… Parlons déjà du présent. Le piano m’a depuis toujours beaucoup attiré, et dès que j’en croise un, j’aime bien pianoter (très mal…). Si notre appartement actuel n’est pas assez grand pour se permettre d’en héberger un, qui sait, peut-être qu’au prochain déménagement…