Claire voisin est clarinettiste. Parallèlement à son métier d’enseignante dans les conservatoires à rayonnement régional de Rueil Malmaison et de Douai, elle joue en orchestre et en musique de chambre, portée par le désir d’explorer la pluralité des répertoires et des modes de jeu.

Tu reviens d’une tournée à Venise (printemps 2019) avec les Ondes plurielles, où tu as interprété le concerto pour clarinette de Carl Stamitz, et le duo concertant pour clarinette et basson de Richard Strauss. Quel souvenir en gardes-tu ?

Un vrai plaisir de jouer. Le travail sur le concerto de Carl Stamitz consistait à retrouver un son, une esthétique qui correspond au contexte d’écriture, tout en parlant à notre époque. Au XVIIIe siècle, la clarinette n’avait que 4 clefs et était encore un instrument rare. Il n’y en avait pas à Mannheim, d’où venait Stamitz ; il a découvert l’instrument à Paris.

Quant au duo concertant de Richard Strauss, c’est une pièce peu jouée qu’il est intéressant de faire découvrir.

La bonne surprise fut que l’église était assez remplie ! Sans oublier l’ambiance toujours particulière d’une tournée, où l’on a du temps pour se découvrir les uns les autres.

A côté de ta vie de musicienne d’orchestre, tu te produis en duo de clarinettes et en trio, avec une pianiste et une soprane. Comment définirais-tu ton répertoire ?

Il est très large, tout m’intéresse !

Le duo Clarinaute propose à un public non averti un voyage dans l’histoire de la musique, avec des pièces courtes allant de la musique classique – par exemple, des airs d’Opéra (Mozart, Rossini) – à des arrangements de musique Klezmer ou celtique, de chansons populaires, ou de comédies musicales (Cats). Avec le trio Marie Nodier, nous jouons des pièces originales romantiques.

J’aime aussi beaucoup la musique contemporaine (j’ai joué ponctuellement dans l’ensemble contemporain « L’itinéraire »), elle permet d’explorer la matière sonore, d’expérimenter des couleurs et des univers différents, et d’éprouver un autre rapport à l’instrument. Enfin, j’improvise pour des spectacles avec des danseurs ou des circassiens… Ce qui demande un lâcher prise et un autre rapport à l’écoute.

J’ai toujours été attirée par le spectacle vivant, par la poésie qui s’en dégage et par la mise en mouvement. La musique est pour moi, un art du temps et du mouvement, que j’ai besoin de vivre physiquement.

Tu joues depuis des années avec des amateurs. Qu’y trouves-tu ?

Un plaisir et une envie de jouer très forts et une vraie exigence musicale.

Quelle pièce aimerais-tu jouer avec les Ondes Plurielles ?

Difficile de répondre, j’aime tout jouer et j’aime la diversité ! En ce moment, j’adore Mozart mais lorsque je jouais Vortex Temporum de Gérard Grisey avec « L’Itinéraire », je me passionnais pour la musique spectracle. J’adore aussi des pièces de Berg, de Weber, de Lutoslawski…Aujourd’hui, je suis très impatiente de jouer la 4e symphonie de Schumann, et Siegfried-Idyll de Wagner.

Les Ondes plurielles réunissent des musiciens amateurs et professionnels. Parmi ces derniers, l’altiste Marie-Christine Witterkoer a fait carrière au sein de l’Orchestre de Paris, tout en enseignant dans les conservatoires du 13e arrondissement puis de Saint-Maur des fossés.

Comment passe-t-on de l’Orchestre de Paris aux Ondes plurielles ?

Je suis rentrée à l’Orchestre de Paris en 1974. Cela faisait un an que j’avais obtenu mon prix au conservatoire national supérieur de musique de Paris, c’était mon premier concours. On m’avait averti de la difficulté d’intégrer cet ensemble, mais, voulant juste connaître mon niveau, j’étais très détendue. Et lorsque je suis arrivée en finale, plus rien ne me faisait peur, c’était incroyable !

Je suis restée à l’Orchestre de Paris jusqu’en septembre 2017. La retraite ne peut pas signifier l’arrêt de la musique ! Alors quand les Ondes plurielles m’ont proposé de jouer la Nuit transfigurée d’Arnold Schoenberg, que je venais d’interpréter en sextuor, et la 4e Symphonie de Brahms, deux œuvres que j’adore, j’ai immédiatement accepté.

Qu’apprécies-tu dans cet orchestre ?

Je dois reconnaître que j’ai eu un peu peur lors de la première lecture de la Nuit transfigurée. Mais j’ai très vite été épatée par le niveau de l’orchestre. J’ai retrouvé ce que j’ai toujours aimé chez des amateurs : un investissement complet, un amour de la musique et une passion immenses. Ces musiciens partagent la belle quête de faire toujours mieux et n’hésitent pas à poser des questions.

Même si cela prend plus de temps qu’avec des professionnels, nous avons réussi à aller au fond des choses, et le résultat sonore a été au rendez-vous. Enthousiasme et qualité du son, il y a tout ce que l’on peut souhaiter trouver dans le monde de la musique !

Comment envisages-tu ton rôle au sein des Ondes plurielles ?

Je suis très heureuse d’être au premier pupitre, où l’on peut tout entendre et profiter totalement de la musique. J’essaie d’avoir des gestes justes et de rassurer les altistes par ma présence. Parfois, je précise des places d’archet ou j’évoque le poids du bras, pour être plus ou moins dans la corde. Mais l’essentiel reste d’entraîner le pupitre !

Pour ses premiers concerts en 2018, les Ondes plurielles ont choisi d’interpréter une œuvre rarement jouée par les orchestres amateurs : La Nuit Transfigurée d’Arnold Schoenberg. Retour sur ce projet avec le chef invité Pierre Mosnier.

Que représente la Nuit transfigurée pour toi ?

C’est une montagne ! Avec un peu de chance, j’aurai dans 20 ou 30 ans quelques certitudes sur cette pièce. Tout est difficile, à la fois pour l’orchestre et pour le chef. C’est un monument de la musique du XXème siècle que l’on doit prendre avec humilité et respect.

Comment t’es tu préparé à la diriger ?

J’ai mené des recherches sur le contexte d’écriture de la pièce, la vie d’Arnold Schoenberg, les mouvements esthétiques de l’époque. J’ai étudié le poème à l’origine de cette Nuit transfigurée.

Puis j’ai beaucoup travaillé sur la partition, ainsi que sur la définition du son ; un son viennois du début du siècle, très différent du son beethovenien, mozartien, ou français. Et À la fin, j’ai écouté les enregistrements de référence, pour savoir s’il existe des conventions non écrites.

Quel est ton parcours de chef ?

J’ai commencé à l’École normale de musique, dans la classe de Dominique Rouits, puis j’ai travaillé avec différents orchestres à Paris et en Europe. Trois grands chefs ont été mes Pygmalions : Paavo Järvi, Tugan Sokhiev, à la tête du Capitole de Toulouse, avec qui j’ai eu la chance de travailler la 4e symphonie de Brahms, et mon maître, Georges Prêtre, qui aiguillonne encore aujourd’hui chaque décision que je prends, dans la musique comme dans la vie.

Quelles différences perçois-tu entre un orchestre professionnel et un ensemble amateur comme les Ondes plurielles ?  

Un orchestre amateur demande davantage de répétitions et de temps. L’un des défis est de savoir jauger son exigence, être patient, et adapter sa manière de parler aux musiciens. Mais, ce n’est pas parce qu’ils sont amateurs qu’ils sont moins bons en ensemble. Georges Prêter me disait « amateurs, professionnels, c’est le même métier, pour un chef d’orchestre ». Dans le mot amateur, il y a le mot « aimer ».

Le 2 septembre prochain, tu monteras sur la scène de Classique au Vert pour redonner La Nuit transfigurée, en première partie d’Appalachian Spring d’Aaron Copland. 

Je suis curieux de voir ce que j’aurai à dire sur la Nuit transfigurée après trois mois de maturation, qui me permettront de l’oublier et d’y revenir avec des oreilles fraîches et un nouveau regard. Et je suis très heureux de diriger pour la première fois Appalachian Spring !

Qu’aimerais-tu ensuite diriger ?  

Je suis obsédé depuis quelques mois par Roméo et Juliette de Berlioz !